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  ||------吉他名曲赏析------||
《维拉罗勃斯第二首音乐会练习曲》的分析与演奏
作者:木子吉他  文章来源:宿州木子吉他教室  添加时间:2011-4-3  点击次数:3881

 
      威拉-罗勃斯系巴西伟大的作曲家和杰出的教育家,1887年3月5日出生于巴西首都里约热内卢,是巴西民族乐派的先驱,被称为巴西音乐之父,一生共计创作1600多首作品,其中包括大量的吉他曲.1959年11月17日病逝于里约热内卢,走完了他七十多年的生命历程.
 
 
 
      本曲选自威拉-罗勃斯12首音乐会练习曲的第二首.这套练习曲是1924年左右威拉-罗勃斯应塞戈维亚的邀请而作.当时塞戈维亚请威拉-罗勃斯作一首吉他练习曲,但威拉-罗勃斯后来写了12首,并于1929年献给塞戈维亚,但正式出版却是1953年的事了.这12首练习曲让我们进入了一个全新的世界,使我们能够从更高的高度来看待吉他,是威拉-罗勃斯献给人类的珍宝.现对第二首介绍如下:
 
 
 
      一、 练习目的:本曲是根据吉他的古典时期西班牙吉他家阿瓜多类似的琶音音型为基本素材,通过音域和音区的扩展写成的琶音练习曲。练习的主要目的是:右手的快速琶音、换弦,左手的横按、快速换弦、换把、圆滑音,左右手的完美配合;体会通过和声的变化来塑造绚丽多姿的音乐色彩。
 
 
 
      二、练习前的要求:从技术难度上来说,如果把第一首定为三级,那么,本曲可能应为五级,本曲比第一首要难得多。在练习本曲前,要具备较高的横按能力和演奏快速分解和弦的能力,最好学习过卡尔卡西25首练习曲中的第25首和威拉-罗勃斯12首音乐会练习曲的第一首。另外,威拉-罗勃斯12首音乐会练习曲并不是按照难度高低安排的循序渐进的作品,因此最好在老师的指导下,根据自己的实际情况来选择练习。
 
 
 
      三、 结构:
 
      第二首练习曲是A大调,4/4拍。以一小节的琶音音型作为基本动机,通过和声的不断变化,在吉他的几乎整个指板上给我们呈示了吉他的丰富音响。本曲以连续的音阶下行为界,分为前后几乎相等的两部分。
 
 
 
      1、  第一部分:计两大句。
 
      第一句:全句四小节,系根据第一小节由低到高、再由高到低的琶音波动的基础音型动机写成。和声为主、属7和弦、2级副导音和弦、具有下属功能的2级和弦的进行,和声由稳定到不稳定再到稳定,功能清楚、逻辑严密,演奏时,除了每小节内部要作出渐强到渐弱的变化外,小节重复时可作出力度或音色的对比,乐句的小节之间请根据和声张力的起伏作出阶梯式的安排,四小节的力度可分别为mp、mf、f、mf。
 
 
 
      第二句:全句八小节,可分成前后均为4小节的二个小分句,但要作为一个整体来演奏。前分句的和声为主、主小、属、属小的主到属的进行,功能很清晰,由稳定到不稳定,但从本分句开始,音乐突出了和声的色彩变化。除了小节内及小节重复时的处理可按照前句外,整个分句的力度可分别是mf、f、ff、f,或为了突出1、2两小节及3、4两小节的色彩变化,可分别在这两小节之间作出音色上明亮与暗淡的对比。后分句和声主要是属功能的进行,重属到属,属没有进行到主,需要解决没有解决,音乐的力量在这里一再积蓄,终于在第三小节达到高潮,而后用下行的音阶迎来了乐曲的第二部分。小节内及小节重复时的处理可参照前句,第1到第2小节的力度可为mf、mp,从第2小节开始由mp渐强至第3小节的第2个四音组,可对第三个四音组的#F音做稍稍强调后,下行音阶渐弱结束第一部分。
 
 
 
      2、  第二部分:计三大句,在这一部分,音乐色彩的变化层次加大。
 
      第一句:4小节,和声为主、下中音(6级)、下中音的副属7、下中音和弦的进行,实际就是主功能的延伸,音乐刚刚经历过高潮,因此,本句的力度变化不要过大,四小节的力度可分别是mp、mf、f、mf,而由于下中音和弦出现,可以用音色的明与暗来突出大小三和弦在色彩上的对比。
 
 
 
      第二句:本句7小节。和声为具有属功能的中音和弦、中音的副属和弦、升高三音的中音和弦、升高三音的下中音和弦、升高三音的上主音和弦、重属导音和弦、属7和弦。很显然,第一小节和和第七小节都是属功能和弦,这是本句的骨干和弦,而第三小节到第五小节则是富于动力的四度上行的副属到副主的连续进行,音乐在第六小节的重属导音和弦上再次达到高潮,而后解决到不稳定的属7和弦上。因此,我们可以分三个层次对该句进行处理:第一小节mp到第二小节的mf后再至第三小节的mp;从第三小节进行到第六小节,可分别是mp、mf、f、mf;然后是第六小节mf至第七小节的mp。
 
 
 
      第三句:本句是这首乐曲的结束句,计4小节。和声主要为主、降根音和五音的下中音(第6级)7和弦、主和弦。第一小节首先再现了全曲的基础动机,起到了前后呼应的效果,然后的和弦原来是小三和弦,由于降低根音和五音而成为大小七和弦,形成了一个传统音乐不常用的具有下属功能的降根音和五音的下中音大小七和弦到主和弦的进行。演奏时可用较明亮的音色,前三小节的力度可分别是mf、f、mp,再从弱到强至第四小节的第二个和弦,做个气口后轻轻结束在最后的主和弦上——音乐结束了,大门也该轻轻的关上,都散了吧。
 
 
 
      四、  演奏提示:
 
      1、  明确乐曲的特征。同为琶音练习曲,第一首是作曲家从巴赫的多声部音乐中得到的灵感,而第二首却是基于古典吉他家的同类琶音素材,特别是圆滑音的运用,因此,乐曲声部的运动受到了限制,和声的功能进行被弱化了,使得该曲更具有吉他本身的特点。因此,我们应该把重点放到整体和声的运动及和声色彩的变化上来,而对本曲的演绎便来源于此。
 
 
 
      2、  了解音乐的结构。我们的演奏应该是建立在对作品分析与理解的基础之上,而对作品的理解,最重要的是对结构的剖析,否则您很难找到演绎的依据,使得演奏要么是对别人的模仿,尤其是对大师的盲目模仿;要么是跟着感觉走的茫然的诠释(当然这种感觉可能更多的还是来源于别人的影响)。
 
 
 
      3、  注意版本的使用。对于本曲,目前国内有很多版本,有二处需要注意:第四小节是四音组的模仿,其中,第四组是对第三组四音组的低八度模仿,最后一个音E值得商榷,尽管所谓的手稿也是E,但建议改为D更合适些;倒数第二小节的最后两组音的下方音应是#D、D、到下小节#C的下行解决,而不是D、D、#C,同时,建议此处的泛音改为实音演奏。
 
 
 
      4、  关于小节的重复。为了加强练习效果,对大部分相同的小节进行了重复。为了避免单调和呆板,可对重复的小节做力度或音色上的对比,当然,您也可以根据自己的理解,创造出更多的变化。
 
 
 
      5、  声部的处理。尽管如上所述,乐曲声部的运动受到了限制,但我们还是要注意强调琶音的最低音和最高音,从意念上把最高音所在的声部及最低音所在的声部分别连接起来,以丰富音乐的色彩。
 
 
 
      6、  关于乐曲的演奏速度。本曲应演奏成辉煌的快板,练习时可以能多快就多快,但不要快到听不清楚了哟!
 
 
 
      7、  关于节拍器的使用。本曲可以毫不犹豫地使用节拍器进行辅助训练,作为练习琶音各个音的均匀度及速度由慢到快提升时的一个标尺。但我注意到目前有滥用节拍器的现象。有人不管练习什么都使用节拍器,好像离开节拍器就失去了专业性似的。其实节拍器只是我们学习音乐的一个辅助工具,我们可以使用它来控制演奏的速度、提高节拍的稳定性、加强音乐进行中的音符的均匀度及提升演奏速度。在学习的初期,可以多使用它,但随着学习的进步、律动感的建立,要逐渐减少节拍器的使用,过多的使用节拍器会造成演奏的机械性并损害良好节奏律动感的形成。因此我建议对节拍器的使用要科学而慎重。
 
 
 
      8、  练习的要点。在对作品进行详细的分段、分句及和声等的分析后,可把每小节作为一个基础单元进行练习。一开始用比正常慢一半的速度练习,等到左右手指法、声音的清晰、力度的起伏等比较成熟时再逐步提高速度,直到达到演奏要求的速度;然后练习下一小节,接着是小节间的连接,在换把、换弦很流畅的前提下,练习整个乐句,直至全曲。至于左右手的指法,可以参考曲谱上的标注,更可以大胆地根据自己的实际情况来安排指法,但请注意要尽量满足音乐进行的要求。
 
 
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